michel henritzi





Taku Sugimoto (guitar) / Minami Saeki (voice)

28.03 LONDON, Cafe Oto

05.04 BORDEAUX, Beaux-Arts

10.04 DIE

12.04 LAUSANNE, Libraire Humus

14.04 NANTES

18.04 PORTO



Other dates will be add. 

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i'm proud to annouce masami kawaguchi tour in March



13 March - LONDON, Cafe Oto

14 March - BRUXELLES, Café Central

15 March - PARIS, Eglise Sainte-Mery (Festival SONIC PROTEST)

16.03 - NANCY

17.03 - RENNES, Café Terminus

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dessin yoko higashi

- 10.03 Mediathèque, Metz (Yoko Higashi/Michel H.)

- 15.03 Café Pompier, Bordeaux (Yoko Higashi/Michel H.) 


- 02.04 Osaka, Bears (Yuki Fuji/Michel H.) 

- 03.04 Kyoto, Zac Baran (Michiko K.Mical/Yuri Ishida/Michel H.) 

- 05.04 Fukuoka (solo)

- 13.04 Hamamatsu, Kirchherr (Mochizuki Harutaka/Michel H.) 

- 17.04 Tokyo, Hikarinouma (Rinji Fukuoka/Michel H.)


- 21.04 Metz (Dustbreeders plays w. Will Nurdin (organ) & Bastien (drums))

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O'DEATH JUG "Owls die at dawn", Dyin'Ghost Records (Fra) - 2018 

RINJI FUKUOKA / MICHEL H. "Desert Moon", Pataphysique (Japan) - 2018

YUKI FUJI / MOCHIZUKI HARUTAKA / MICHEL H. "Shiroi Kao", An'Archives (Fra) - 2018

TETUZI AKIYAMA / MICHEL H "Broken Blues", Reken Records (Greece) - 2018

DUSTBREEDERS (feat. Junko) "The only House in Town" 231 Records (Fra) - 2018



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INTERVIEW by Miguel COPON published in PREPAREDGUITAR BLOG in 2014

  1. Which was the first musical sound do you remember?

    I think the first sound i identify like sound object was chruch's bell ringings. That gave me deep melancolia, i didnt like this sound, it was link with death. But I took consciousness about sound around me. My mother tells me when i was young kid i liked beat saucepan with spoon or keys, i liked noise, i guess like most of childs. Later in school first music i heard was « The 4 seasons » by Vivaldi. I loved it, especially « the winter », that moves me deeply. I was aware of music like sound object. First record i bought was Pink Floyd « saucerful of secret ». I listen all things i could find without question of styles, i was just happy to listen many kind of music. 

  1. What do you dream, musically speaking, about?

    I speak about my blues feeling. Im melancolic guy. Music is a door opening on past life, lost desires and lost loves. Sometimes I express my angry too, different feelings in regard of our lifes and society. In fact that depends my projects, sometimes it is more politic like a critisism of music system with my projects with Mattin or Brandon Labelle. With Rinji Fukuoka or Junko i just try to move audience in a psychedelic trip, touch them directly by the body. I realized 3 records around my Japan world too, these records are deeply influenced by my Japan trips and musicians encounters, music like Enka or some amazing singers like Kan Mikami, Kazuki Tomokawa, Morita Doji, Maki Agasawa … I still very impress by Japanese musicians, their syncretism and how they change some idioms in their own stuffs. It is kind of example to follow for me. I dont believe about the concept of new. All musicians just deal with other musics they know, and all musicians repeat always their first stuffs. Listen Keiji Haino, Derek Bailey, Loren Connors, it is always similar, just they try go more deep inside their music world. For pop music or improvisation is same. Idea of new things is fake. Experimental music is a style of music too, an historical part from 50 to 70s. It is a non sense to talk about experiemntal music today. We just follow our way, what can we do else ?

  1. Why did you decide to pick up the guitar?

    In fact I didnt decided myself. My mother wanted i learn an instrument. I wanted play violin but it was too expensive. So i start classic guitar during 3 years. I hated that. I was very bad student. I started studied my lessons just before go to the guitar class. Most of time i was very lazy. Later in 77 when i heard first punk records i wanted play this music myself. I bought a telecaster. But nobody wanted play with me, all my musician friends thought i was too bad guitar player so they didnt want include me in their punk bands. I was especially bad to keep regular rythms. I was very dispappointed because i thought than punk didnt know how play guitar just express themselves by sound. By chance 1 or 2 years later i heard Throbbing Gristle record. I was astonished by their sound collages and guitar way. For me it was real punk music. So i started play alone in my room noisy guitar with tapes mixing in this side. I used industrial sounds on cassette to mix with my distortion guitar. I was happy play alone. Little after I discovered the No Wave. For me it was the more interesting way to follow. I had no technics but i could express myself with sounds.

  1. Which work of your own (or as a sideman) are you most surprised by, and why?

    To play with Junko (voice of Hijokaidan). For me it was my idol, kind of untouchable diva, i never think play one day with her. She gives me very strong power and deep feeling. So i still surprised how we sound with Junko. With Dustbreeders too i think we had really unique sound. 

  1. Where are your roots? What are your influences?

    So many influences. I listen music over 40 years, every styles and genres. I heard so many things from blues to extreme noise. I care especially of guitar players, guitarists like Taku Sugimoto, Tetuzi Akiyama, Keiji Haino, Donald Miller, Loren Connors, Rowland S.Howard, John Fahey, Derek Bailey, Masayuki Takayanagi, Marc Ribot, Noël Akchote, Kevin Drumm, Blind Willie Johnson, Alan Licht … During long years i stopped play guitar, i was involved in noise music, i love feedback and amp hum. One day i saw « Dead Man » and i was impress by Neil Young soundtrack. Little later I heard a french guitar player Fabrice Eglin, he played a very sensual feedback guitar. Heard them gave me the desire to play guitar again, so i bought a cheap electroacoustic Yamaha and asked to Fabrice play together. He accepted and we start a duo under name Howlin'Ghost Proletarians. We play kind of abstract blues with feedbacks. In same time I met a Japanese photographer Kumiko Karino and I play solo guitar on her pictures slideshow. Her pictures influenced my music too and open my ears to Japanese enka music. I tried mix Blues and enka music on her pictures. But my roots i think it is noise and industrial music. That open my mind about what is music. Now i play everyday in my room, i dont practice, just in a feeling way kind of enka blues.

  1. How would you define "danger" in an artistic work?.

    No danger. What is danger for a musician ? I cant believe that. Art is cut with the real world. It is just its mirror. We can broke the mirror and what ? Of course some music could change our lifes or thinking views but nothing more. It is important for me but silence too. Today you can play everythings nobody take care, no fighting, no real critic. We are in consensual world and peoples know everythings in surface. Music is like paper wall. New generation likes extreme stuffs, it is just fun for them and others dont care. It is really marginal, no effects on society. Like rap or noise it is just fashion stuffs. No danger.

  1. Define the sound you're still looking for, or the sound you'd like to hear. (With an image, a metaphor, a dream, a poem...)

    A blues dont sound like its roots but like mine. In noise too i try put a blues feeling. My music is blues music. Nothing more, nothing less. Maybe i arrive at an age or you dont need to impress others, you do your stuffs in your side. Sometimes i think im like old story teller 

  1. How do you experience time? How do you experiment with time in your music?

    I learnt from Keiji Haino and Taku Sugimoto about time in music. Im still a speed guy but i still keep in mind the japanese concept of Ma. But most of time i forget it (laugh). I play in different duo projects and i try follow my partners in their time and space. Some music need long duration for exist full like my duo with Rinji Fukuoka, other is like a punch, you say everything in 10 or 20 minutes, you dont need more time. Time is my feeling of time. I dont know if audience has the same time experience than me. Everybody has his own time, sometimes we meet other times and something appear or not.

  1. Which living or dead artist would you like to collaborate with?

    Im really lucky i played with most of musicians i like play with them : Junko, Rinji Fukuoka, Masayoshi Urabe, Tetuzi Akiyama, Mattin, Bruce Russell, my friends Thierry Delles and Yves Botz in Dustbreeders. Today with Christophe Langlade. If i could i loved play with Keiko Fuji (enka singer suicides last year). Maybe with David Eugene Edwards, im fan of his folklore. Be a sideman of Kazuki Tomokawa or Kan Mikami. Few years ago maybe i gave you very different answer, i was more interested by so called experimental music, today i dont care about modernity, new. It is just fashion or empty concept.

  1. What is some valuable advice that someone has given to you in the past?

    In Marc Ribot interview he wrote « use your mistakes, your blunders, amplify them, it is part of you of your sound ». I still keep this advice in mind. It was great lesson. 

  1. What gear do you use?

    I have an old Framus television guitar, i love it. I have several lapsteels too : National, Oahu, Rickenbaker, Harmony, Hofner, Guyatone … I play more and more lapsteel especially in my noise and psychedelic projects. I use many guitar effects boss and mxr. And fender amp. In Japan my friend Rinji lends me a Gretsch solidbody guitar, i like gretsch sound. I like buy an harmony guitar or jazzmaster, but no money yet.

  1. How would you define the present time in musical terms?

    After i plug my guitar, before my sound dies.

  1. What are you currently working on?

    I have several projects i work on. A duo with Japanese guitar player Shinichi Isohata, covers of Keiko Fuji. New recordings with Rinji Fukuoka inspired by Tony Conrad and Henry Flynt. I finished recordings with Junko, kind of rock n roll tracks mix twang guitar and her screamings. Our new guitar duo band with Christophe Langlade name O'death Jug, we have 3 records ready but no label (laugh). I plan a duo with Tetuzi Akiyama and songs recordings with A Qui Avec Gabriel on accordeon. I finished some soundtracks for 2 movies too. And we play again with Dustbreeders after long months we stopped. Still play my solo enka blues stuff too.

  2. http://preparedguitar.blogspot.fr/2014/06/michel-henritzi-13-questions.html

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Philippe Robert a fait cet interview pour le magazine "Le Son du Grisli", edition Lenka Lente. Merci à eux


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Tu es sans cesse à la recherche de nouvelles choses radicales qui ne se tourneraient pas vers le passé. Qu’est ce qu’une musique radicale ?

Plus qu'une musique c'est un geste qui porte notre radicalité, toutes les musiques du blues à la noise sont porteuses de radicalité ou empreintes de conformisme, tout dépend du moment historique observé. Ce geste radical serait une césure dans une forme connue, une façon de l'habiter sans tenir compte du regard des autres, sans se plier aux dogmes qui finissent par définir et policer ces formes musicales. On peut faire une musique noise qui serait très conformiste et ne ferait que répéter des formes connues et à contrario une musique blues inouïe je pense à Loren Connors ou Taku Sugimoto par exemple. Une musique radicale serait une musique qui ne cherche pas à plaire absolument, mais à se dire, à résoner dans l'autre, peut-être aussi à questionner notre époque, tout au moins son spectacle.

Comment te nourris tu du passé pour inventer et recycler ?

On ne choisit pas ce qui nous hante ou nous inspire, ca nous touche ou nous donne à penser sans nous en rendre compte, c'est un mouvement naturel. On enregistre des tas de choses à notre insu et ca nous travaille d'une façon ou d'une autre que ca soit musical, visuel, philosophique, politique, etc. J'écoute beaucoup de musique Enka et de blues après avoir beaucoup écouté les musiques industrielles, noise, free-rock et ça influence forcément mon approche des musiques « bruitiste » ou « free ». J'essaye juste d'écarter ce qui me semble un simple copier/coller dans ma pratique. Sinon je ne m'interdis rien je suis juste mon feeling et vois ce qui advient sans préjuger du résultat. En fait je définirai ma musique comme une forme de blues y compris quand je joue de la Noise.

Peux tu nous parler du jaillissement d’inouï des années 80. Pourquoi ces années là ont permis cela ?

Les années 80 sont peut-être les dernières années où il était possible d'inventer de nouvelles formes sans le poid écrasant de la culture numérique aujourd'hui qui nous a donné accès à tous les disques, films, documents, études universitaires (même sur la noise) et en même temps à enfermer notre imagination dans un savoir encyclopédique, avec ce sentiment que tout a déjà été fait. Ce sont les années qui précèdent la techno-culture, internet, où il était difficile de trouver des informations sur des groupes obscurs, on usait un disque jusqu'à la corde avant de passer au suivant et notre imagination inventait les autres dont on ne connaissait que le nom, un bref article dans un fanzine US ou japonais. Les années 80 procédaient encore par rupture, tout ne vallait pas tout, on était pas encore dans ce village global qui uniformise tout. La musique était encore travaillé par une vision politique ce qui n'est plus le cas. Beaucoup de musiques dites extrêmes ne sont que des postures, des pratiques narcissiques, difficile d'y échapper quand toute l'époque est fasciné par les cultures de l'extrême, la pornographie sociale, le bruit comme papier peint de nos chambres. Le « bruit » a perdu de son pouvoir de nuisance. Au point que le silence est peut-être la forme la plus radicale.

Peux tu nous décrire l’insolence musicale

L'insolence c'est être soi sans tenir compte du regard de l'autre, de jouer avec et à partir de ses limites, ses erreurs, ses maladresses. Ne pas tricher avec soi-même et ne rien s'interdire par peur d'une technicité qui ne serait pas maitrisée. Oublier les contraintes techniques pour les subvertir, c'est une leçon apprise de Marc Ribot. Je ne cherche pas la provocation, même avec un groupe comme Dustbreeders mais juste à me sentir libre, absolument libre hors des contraintes normatives des académismes qui sont des mécanismes de contrôle et de valeurs sociales.

Ta musique pourrait avoir un sous titre, Koyonaku, qu’en penses tu ?

« Koyonaku » parle de profondeur et d'un désir intense. C'est flatteur en tout cas je crois m'investir totalement quand je joue, j'essaye de m'oublier dans le son par le son. J'essaye de suivre mes intuitions et d'entendre intimement les musiciens avec qui je joue. Et je leur suis reconnaissant et redevable, ils m'ont ouvert différents mondes musicaux souvent liés à la culture japonaise, donné ca en partage.

Parles nous de la cuisine japonaise et des lieux ou elle se fabrique !

C'est une cuisine sans artifice ou la qualité du produit et sa mise en bouche prime sur tout le reste, d'une grande simplicité mais qui demande beaucoup d'attention pour éviter tout artifice. Ainsi chaque ingrédient apparaît en bouche dans toute sa saveur. On retrouve aussi ca dans les musiques traditionnelles cette écoute du son dans sa solitude et non pas dans une chaine sémiotique. Il y a l'importance du Ma, ce silence dynamique qu'on peut aussi bien entendre dans la musique de shamisen que chez Keiji Haino ou la scène Onkyo. Mais comme partout ailleurs la cuisine japonaise change sous l'influence de la mondialisation et aujourd'hui propose des sushis avec de la mayonaise et la J-Pop produit des groupes aussi indigeste que partout ailleurs, sans aucune singularité.

Enfin peux tu nous raconter l’histoire de la musique enka et l’origine de la noise japonaise

Deux extrêmes des musiques japonaises, dans une de ses formes les plus populaires jusqu'à la fin des années 70 : la musique Enka et son sentimentalisme kitsch et dans une de ses formes les plus marginales underground : la musique Noise et sa violence sonore. La musique Noise apparaît à la fin des années 70 au Japon simultanément à Osaka et Tokyo à travers 2 groupes séminaux : Hijokaïdan et Merzbow. C'est juste un épiphénomène culturel au Japon qui a plus de répercution en Europe ou aux Etats-Unis. Ces groupes étaient très influencés autant par le free-jazz que la musique psychédélique, ils en donneront des formes extrêmes uniques à l'écoute desquelles il est difficile de rester passif, on réagit par le rejet ou l'adhésion. On entend les prémices de la musique noise dans le free nippon dès les années 60 et peut-être déjà aussi dans la musique traditionnelle qui contrairement à la musique classique occidentale accueille les bruits de l'envirronement ou du jeu instrumental dans le son.

Quant à la musique Enka elle est une forme syncrétique issu des musiques traditionnelles japonaises et du Jazz qui était une forme très populaire avant et après guerre au Japon. La culture japonaise a toujours été syncrétique et japonisé des formes exogènes avec souvent beaucoup de talent et d'invention. La musique Enka a pris plusieurs formes dans son histoire en lien avec les différents développements des autres musiques et de l'évolution des instruments électriques et électroniques, du jazz dans les années 50, à la pop dans les années 60, voir au psychédélisme dans les années 70. Musique qui évoque les amours perdus, le village quitté, la solitude, ces thèmes qu'on retrouve dans toutes les cultures du fado au blues, de la chanson au flamenco … C'est une musique qui continue à vivre notamment dans les karaoke et les bars de nuit. J'adore cette musique il y a une putain d'émotion et des mélodies boulversantes et je crois vraiment que cette musique travaille l'inconscient de ma propre musique. 



Michel, comme nous avions pu l’évoqué ensemble, cette rencontre me touche particulièrement. Elle me fait penser à ce « cante jondo » que j’aime tant.

Dans le flamenco il y a plusieurs intentions, et notamment ces formes dépouillées, qui parlent d’une certaine forme de tristesse, avec une grande distance émotive.

Vos musiques me font penser à cela !

1/ Comment as tu rencontré JUNKO ?

J'ai découvert Junko à travers un disque du groupe noise séminal Hijokaïdan, c'était au début des années 80. Ca a été un électro-choc même si je connaissais les disques de Yoko Ono à cette période. On pouvait y entendre une similitude entre leurs cris, même s'ils ne sont pas porteurs des mêmes choses, Yoko Ono était dans une démarche féministe, chez Junko il n'y a pas de diiscours, ni d'intentions politiques. Toutes deux ont cette façon unique de faire du cri un instrument, leur instrument. On peut penser à certains saxophonistes du free. A la même époque je m'intéressais aux expressionnistes et à dada, ca me semblait le parfait écho à la peinture de Edward Munch le « Cri ». Le fait que ce soit une femme aussi m'a beaucoup intéressé, on sortait de cette territorialisation du cri des mâles dominants de la culture rock, d'un rapport de pouvoir entre la scène et la salle. Son cri est très dérangeant, perturbant. On songe à la b.o d'un film d'horreur, un orgasme ou une colère. Pourtant rien de tel chez elle, juste un cri débarrassé de tout affect, de tout sens, qui ne dit que lui-même, un son, une voix.

2/ Comment la rencontre s’est elle faite ? 

Par la suite je lui ai écris pour l'interviewer avec d'autres femmes de la scène noise japonaise pour Revue & Corrigée, interview que j'ai fait à Tokyo en 2001. Je lui ai proposé de jouer ensemble en duo, ce qu'on a fait lors d'une soirée organisée par Koji Tano (MSBR). Je faisais du feedback avec un mange-disque en improvisant avec son cri en écho. Par la suite on l'a invité avec Dustbreeders à venir enregistrer en studio sa voix en solo pour un album vynile « Sleeping Beauty » et tourner avec nous. Junko est une personne adorable et très simple.

3/ Comment se fondre dans ses cris, et ainsi révéler toutes leur puissance !

On se laisse juste porter, ou plutôt électriser par sa voix. Sa voix est comme un arc électrique autour duquel on s'enroule. Le cri de Junko a suffisament de singularité pour ne pas disparaître dans un wall of noise. Il perce les autres fréquences, déchire ce mur de bruit qu'on peut faire autour d'elle.

4/ L’un des titres est une vision sonore d’un titre bien senti de SUICIDE, Cheree, pourquoi avoir introduit ce titre dans l’album ?

J'ai toujours eu le fantasme de sortir Junko du monde conventionnel de la noise, de l'entendre dans un contexte différent. Je lui avais d'abord proposé de l'enregistrer dans un karaoke pour lui faire reprendre des chansons enka ou pousser ses hurlements sur ces musiques sentimentales pré-enregistrées. Ca n'a pas pu se faire faute de temps. J'ai eu cette autre idée d'enregistrer des chansons d'amour avec des guitares mélancoliques twang de 3 ou 4 minutes à la façon d'un album de chansons. La reprise de Suicide s'est imposée en raison de son cri, cri d'amour, cri de douleur, cri de peur, de rage, tout ce que peut exprimer l'amour. Il existe une autre version qui n'est pas sur l'album ou je chante le texte d'Alan Vega avec Junko qui hurle. Cet album est passé complètement inapperçu. En raison de son étrangeté trop radicale peut-être. Trop noise pour les amateurs de rock, trop rock pour les amateurs de la noise. 





Prochainement tu vas venir jouer avec ce violoniste japonais en France.

1/ Lorsque je pose l’un de ces disques sur une platine, j’ai l’impression que vous reprenez le travail la ou le velvet underground l’avait laissé dans leur expérience sonore ?

C'est plutôt flatteur comme comparaison. C'est vrai que j'ai le Velvet Underground en tête dans ce projet mais ca tient surtout au violon très calien de Rinji que je suis au lapsteel, à ses mélodies très européennes, presque baroques parfois ou évoquant les folklores de l'Europe de l'Est. Après il y a toute mon expérience dans la musique noise qui apparait aussi, j'aime jouer avec des écarts de volumes extrêmes. La noise japonaise s'est toujours pensée comme une continuité de la musique psychédélique. On est dans cet entre-monde, dans un trip.

2/ Il y a également quelque chose de l’ordre de la cérémonie chamanique, ou du moins d’une musique qui pourrait accompagner ce type d’expérience. Est-ce une musique que tu souhaites voir évoluer vers la transe ? 

Absolument. J'en suis pas loin parfois quand je joue avec Rinji. Il y a un coté hypnotique dans ce projet mais qu'on brise parfois dans le geste de l'improvisation. Je cherche à retrouver ce que je ressentais quand j'écoutais des groupes comme Can, Amon Duul, le Velvet Underground, un état d'absence à soi, un transport littéral.

3/ Peux tu nous parler de ce musicien, d’ou vient-il ?

Rinji Fukuoka est originaire de Hokkaido. Il a bougé très jeune sur Tokyo pour rejoindre la scène musicale qui y est très active. Il est d'abord un excellent guitariste et un chanteur, mais aussi un multi-instrumentiste de talent, inspiré, que ca soit au piano, au violoncelle, alto ou violon. Il a fait partie de nombreux groupes psychédéliques qui ont rencontré un certain succès à une époque, comme Overhang Party, Tangerine Dream Syndicate, aujourd'hui Majutsu No Niwa. C'est surtout au violon que Rinji me fascine, il est pour moi une sorte de John Cale sublime. On entend aussi dans son jeu tout son intérêt porté à la musique américaine minimaliste : Henry Flynt, Tony Conrad ou encore Takehisa Kosugi. C'est un immense plaisir et privilège pour moi de jouer avec lui, c'est très inspirant. Pardon pour les superlatifs mais je ne vois pas comment le dire autrement. 

4/ ou jouez vous cette musique au Japon ?

Surtout dans les clubs de Tokyo, on partage souvent les concerts avec cette scène underground : Masayoshi Urabe, Chie Mukaï, Astro, Tetuzi Akiyama … On a tourné plusieurs fois dans le Honshu : Kyoto, Osaka, Gifu, Nagoya … Ces musiques comme en Europe y sont très marginales, il y a très peu de public a ces concerts, souvent une dizaine de personnes, parfois plus de musiciens que de public. J'ai vu des concerts de Keiji Haino devant moins de 10 personnes au Japon il y a quelques années. C'est moins vrai aujourd'hui pour lui.

5/ Dans le choix des dessins qui illustrent les disques, il est souvent question de faire danser la mort, d’êtres étranges et de landes sauvages. Pourquoi ce choix iconographique ?

Rinji et moi avons vraiment commencé à jouer ensemble comme groupe constitué après la catastrophe de Fukushima. C'est un événement qui nous a beaucoup marqué, qui parle de ce qu'est le Japon et au-delà du caractère transitoire de nos vies. Ces images parlent de nos angoisses, nos inquiétudes, de notre blues. La mort nous accompagne et on finira par danser avec elle. Je ne peux pas parler pour Rinji mais pour moi tout ce que je joue à un rapport au blues, de la noise à ce duo en passant par O'Death Jug ou mes autres duos, notamment ceux avec Junko ou avec A Qui Avec Gabriel. 



avec Akiko Hotaka, A qui Avec Gabriel, Tetuzi Akiyama, Shinichi Isohata, Cédric Lerouley, Reiko Imanishi, Rinji Fukoaka


1/ Que propose le label DYIN GHOST Records

Quand trouver des labels pour sortir ses disques devient impossible il nous reste l'autoproduction et c'est très bien de se coltiner à ca, à l'économie de la musique. Ce micro label n'a sorti pour l'instant que mes projets solo ou en duo, souvent en CDR, parfois en CD. Pour moi un disque est juste une façon de clore une histoire, un projet, ça me permets d'avancer.

2/ Peux tu nous raconter une anecdote étrange que tu as vécu avec chacun de ces artistes ?

Tous mes projets fonctionnent à l'affectif, tous ces musiciens sont avant tout des amis avant d'être des partenaires musicaux. Tetuzi Akiyama est un des premiers musiciens que j'ai rencontré au Japon avec Taku Sugimoto. Je les ai produit par la suite tous les deux sur A Bruit Secret. Ce mec est un guitariste de génie. Son surnom c'est Captain, un type solitaire, silencieux mais généreux. Il m'a devancé sur une idée que j'avais eu de faire un quatuor d'aspirateurs, ca parle de son rapport au son, de ce qui est musical ou non, de notre façon de l'entendre. Ce type a sorti un des plus beaux disques de boogie de tous les temps « Don't Forget A Boogie ».

Shin'ichi Isohata est lui aussi un guitariste malheureusement trop discret. Il a été le dernier élève de Masayuki « Jojo » Takayanagi. Technicien halucinant, et en même temps quelqu'un de très timide. Il m'a raconté quand il étudiait la guitare durant 3 ans il travaillait son instrument 14 heures par jour 7 jours sur 7, aucune vie sociale en dehors de ses cours. Il joue parfois pour Otomo Yoshihide. J'ai un projet de reprises de la plus belle voix de la chanson japonaise avec lui : Keiko Fuji. Un duo de guitares. Mais difficile de trouver ma place à coté de sa guitare so perfect.

Reiko Imanishi est une amie de Shin'ichi, joueuse de koto qui alterne tradition et expérimentation. Très belle à regarder jouer dans son kimono, presque une gravure. Je n'ai pas d'anecdote sur elle.

Je voulais faire un disque de chansons en japonais, j'avais commencé à écrire quelques chansons et demandé à des amis de les traduire. J'aimais beaucoup la voix de Akiko Hotaka qui est une chanteuse folk underground qui a joué avec Tori Kudo un temps. Je lui ai proposé de faire un disque, elle a gentiment décliné me disant que mes chansons étaient trop sombres pour elle. Elle a accepté d'en chanter une, celle qui ouvre l'album. J'ai joué avec elle l'an dernier à Tokyo et le batteur Ikuro Takahashi sur une reprise de « Femme Fatale ». Pour moi c'était l'horreur, je n'ai aucun sens du rythme, je suis parti dans le noise et après le concert j'étais honteux. Akiko m'a dit que c'était très bien. Politesse toute japonaise. On ne peut pas dire à quelqu'un qu'il était mauvais au Japon, sinon on lui fait perdre la face.

Cédric Lerouley est mon ami, je ne peux dire que du bien de lui, un type rigoureux, généreux et honnête. Ce qui n'est pas si courant dans le milieu indépendant. Cédric a créé le label An'archives pour lequel il produit des artistes japonais, et quelques autres comme Andrew Chalk ou moi. Ces disques sont des objets magnifiques, pochettes sérigraphiées par Alan Sherry, linernotes d'Alan Cummings, un soin à l'objet très japonais. Il a une connaissance intime et presque exhaustive de la musique japonaise. Il était proche de Hideo Ikeezumi, le boss du label historique PSF. Actuellement il travaille à une série de reprises enka par des musiciens de la scène underground japonaise qu'il sort en 25cm. Ce sont des disques incroyables, d'une belle étrangeté et qui nous font découvrir cette musique populaire connu ici qu'à travers les films de Tarantino.

C'est la première fois que j'enregistrais avec l'accordéoniste A Qui Avec Gabriel pour ce disque. Gabriel c'est la marque de son accordéon. Son premier disque est sorti chez Tzadik le label de John Zorn dans sa série New Japan. Avec A Qui l'idée était de reprendre des classiques enka et de se les approprier, de les jouer à notre façon. A Qui à la voix et accordéon, moi aux guitares. On a sorti un album par la suite « Koyonaku » sur Bam Balam. A Qui a une voix très sensuelle qui colle merveilleusement bien à ces chansons, qui rappelle un peu Jane Birkin. Comme un tissu soyeux qui habille ces reprises. Kevin l'ingénieur du son à su trouver une belle proximité avec l'oreille de l'auditeur, on se sent littéralement caressé par le souffle, le murmure de la voix. Chansons tristes et sentimentales que je malmène avec ma vieille Framus jazz. A Qui voulait qu'on en fasse des reprises punk mais elle a trop de douceur dans ses manières, dans son jeu et c'est le contraste de nos jeux qui rend le disque réussi.

Tu ne l'évoque pas dans ta question mais je fais aussi une reprise d'une chanson de Kazuki Tomokawa sur ce disque, que je chante dans un mauvais japonais. Tomokawa est pour moi un des artistes japonais le plus émouvant, avec Kan Mikami et Keiji Haino. Ses chansons me boulversent, m'emmènent très loin dans mes ombres passées, mon propre blues, mettent une petite lumière inside. Il est comme écorché, à vif, son chant est proche du cri, ce n'est pourtant pas de la colère mais un trop plein d'émotions, de tristesses. Je l'ai fait tourner en Europe il y a quelques années avec Kan Mikami, un de mes plus beaux souvenirs de tournée, accompagner ces deux figures légendaires du folk japonais m'a appris beaucoup de choses sur la culture japonaise, leurs musiques, leurs traditions. On relativise la nécéssité d'être absolument moderne, on laisse çà à notre jeunesse, c'est un peu un mirroir. Pas besoin de comprendre le japonais pour les entendre, s'en nourrir, ca parle au-delà des mots. Ce sont des passeurs, Haino dirait des chamans qu'il oppose aux musiciens comme techniciens.



1/ Voici un projet tout frais, de quoi parlent ces chansons étranges ? 

Il faudrait poser la question à Dana Valser. C'est elle qui écrit les paroles et proposent les mélodies à Christophe Langlade. Je ne suis dans ce projet qu'un side-man. J'improvise mes parties sur les structures qu'ils me donnent. Ses chansons parlent de choses intimes liées à la vie et son autre face la mort. Elle essaye de donner une résonance universelle à des histoires, des pensées intimes. J'ai toujours voulu jouer derrière une chanteuse ou un chanteur, accompagner le projet de quelqu'un d'autre, c'est assez difficile pour moi en raison de mon sens du rythme iconoclaste et mon coté borderline, mais être porté par une voix est un truc très fort qui me plaît beaucoup. J'aime la profondeur et la simplicité de sa voix, il y a un aspect presque traditionnel dans ses chansons, elles semblent remonter dans un monde disparu où le chant était un lien communautaire bien plus qu'un folklore.

2/ Cette fois vous plonger et explorer les échos des forêts profondes, noires et lumineuses de l’Amérique latine. Quelle différence entend tu avec les cultures du japon ?

C'est plus lié aux paysages arides d'Espagne qu'aux tropiques pour moi, même si la voix de Dana Valser à cette profondeur dont tu parles. La réponse de Dana Valser serait sans doute différente, parce que pour elle ce premier album fait plus référence aux Asturies. J'y entends plus de similitudes que de différences entre ce folklore espagnol et ceux du Japon, pour moi il y a un certain exotisme dans ces deux cultures exogènes. Chaque culture a eu besoin d'inventer sa forme de blues, de duende : le fado, le flamenco, la chanson, la musique enka … le blues. Toutes les cultures ont en partage mélancolie et tristesse, besoin de l'exprimer, de les chanter. Dana Valser chemine à sa façon dans cette cartographie musicale.




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I open for Up-Tight in Strasbourg. Thanks to Desastre Records.

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picture vincent guilbert



Une seconde soirée aux Instants Chavirés autour de ces vieilles « Six Rusty Strings » réunissant 4 guitaristes habités par les fantômes du deep-south et l'électricité. 4 solos bancals et hantés de Monsieur Gadou (Bordeaux), Christophe Langlade (Lyon), Niels Mestre (Paris) et Michel Henritzi (Metz).


Christophe Langlade – guitare Martin Auditorium

Souvent en solo sous le nom de Langdale, avec une guitare acoustique & bottleneck pour seuls instruments, il sculpte une musique aux odeurs de « primitive blues ». Dense et pénétrante, son approche est caractérisée par des basses omniprésentes et des rythmiques hypnotiques.

Il a ouvert plusieurs concerts dont Marissa Nadler, Sir Richard Bishop, Wovenhand….ou récemment Daniel Bachmann...

Egalement membre de « O'Death Jug » (avec Michel Henritzi) un duo de guitares jouées entre abstract blues et feedback et accompagne « Dana Valser », chanteuse venant d'Espagne, à l'écoute d'antiques folklores et de bruits intimes...



Monsieur Gadou – guitare Klira

Né en 1969. A longtemps pensé que ça suffisait pour avoir l'air intéressant. Aucun diplôme. Joue de la guitare de manière plus ou moins assidue depuis 1980. Musicien polyvalent, guitariste, compositeur, arrangeur, tromboniste, inventeur d’instruments étranges, assoifé de musiques, de textes, de références diverses, Monsieur Gadou aura été le fondateur, d’un groupe désormais éclaté : « Grand Six ». En duo aussi avec sa « secrétaire » mademoiselle Isabelle Jelen, conteuse, chanteuse … Champion d'Europe de musique improvisée en 1993. Aime le vin blanc, les oeufs durs, et faire la sieste.


Niels Mestre – guitare Hofner Congress

Niels Mestre est né à Lormont en 1977. Diplomé de l'ATLA à 20 ans, Il a voulu devenir guitariste sous l’influence de Jimi Hendrix. Autodidacte jusqu’à sa rencontre avec Pierre Chaze, qui lui-même a été élève de René Thomas, il a aussi étudié l’harmonie avec Derek Sebastian puis Jean-Michel Bardez, élève d’Olivier Messiaen. Des dizaines de groupes, classés dans les styles blues, rock, reggae, funk ou chanson, l’ont fait voyagé d’Algeciras à Ankara. Equilibrant ses activités de compositeur et d’improvisateur il est membre de la SEAMUS et joue régulièrement au Japon. Il a notamment joué avec René Lacaille, Alain Debiossat, Benoît Mœrlen, 拓雨宮 (Hiraku Amemiya), MAGMA, Didier Malherbe, 森順治 (Junji Mori), Erick Borelva, 仲野麻紀 (Maki Nakano), Denis Charolles, Bobby Rangell… 




Michel Henritzi – guitare Framus Télévision 

Guitariste jouant entre abstract blues et noise. Membre du combo noise Dustbreeders, de O’Death Jug (avec Christophe Langlade) et Dana Valser, il joue aussi régulièrement en duo avec Junko (Hijokaïdan) et Rinji Fukuoka (Majutsu No Niwa). Il a également accompagné sur scène : Tetuzi Akiyama, Shin'ichi Isohata, Chie Mukaï, Jojo Hiroshige, Masayoshi Urabe, Yuki Fuji, A Qui Avec Gabriel, Ibuki Kuramochi, Yoko Higashi …





 picture laureline bazogue



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